miércoles, 26 de noviembre de 2008
viernes, 14 de noviembre de 2008
SEMANA 15
¿En que se diferencia un director de películas de ficción a un
director de películas documentales?
Una película "documental " es donde se muestra un poco de realidad sin afectar a las demás personas y para realizarla este tiene q documentarse mucho para saber de que se esta hablando.
Es un género cinematográfico y televisivo, realizado sobre imágenes tomadas de la realidad. La organización y estructura de imágenes, sonidos (textos y entrevistas) según el punto de vista del autor determina el tipo de documental.
La secuencia cronológica de los materiales, el tratamiento de la figura del narrador, la naturaleza de los materiales -completamente reales, recreaciones, imágenes infografías, etcétera — dan lugar a una variedad de formatos tan amplia en la actualidad, que van desde el documental puro hasta documentales de creación.
Pues para mí un documental de creación seria ya de ficción porque ya se manejaría mas la parte de la imaginación y lo que piensa solo el director mas no director - entrevistado como lo es en un documental normal pues este solo quiere mostrar una verdad.
Se denomina ficción a la simulación de la realidad que realizan las obras literarias, cinematográficas, historietas o de otro tipo, cuando presentan un mundo imaginario al receptor.
Esta es la diferencia que separa uno de lo otro
Que el director de ficcion piensa en jugar mas con la imaginacion llevar un hilo conductivo y el de documentación siempre va a querer mostrar la verdad sin afectar al agredido o a la victima.
¿ que es reflexividad?
es una metodologia que permitiria incorporar las veces de los entrevistados y omitir los entrevistadores.
la reflexividad es un fenómeno semántico consistente en que el signo que funciona como sujeto y uno de los que funcionan como régimen (directo o indirecto) tienen idéntica sustancia de contenido, es decir, se refieren a la misma cosa...
director de películas documentales?
Una película "documental " es donde se muestra un poco de realidad sin afectar a las demás personas y para realizarla este tiene q documentarse mucho para saber de que se esta hablando.
Es un género cinematográfico y televisivo, realizado sobre imágenes tomadas de la realidad. La organización y estructura de imágenes, sonidos (textos y entrevistas) según el punto de vista del autor determina el tipo de documental.
La secuencia cronológica de los materiales, el tratamiento de la figura del narrador, la naturaleza de los materiales -completamente reales, recreaciones, imágenes infografías, etcétera — dan lugar a una variedad de formatos tan amplia en la actualidad, que van desde el documental puro hasta documentales de creación.
Pues para mí un documental de creación seria ya de ficción porque ya se manejaría mas la parte de la imaginación y lo que piensa solo el director mas no director - entrevistado como lo es en un documental normal pues este solo quiere mostrar una verdad.
Se denomina ficción a la simulación de la realidad que realizan las obras literarias, cinematográficas, historietas o de otro tipo, cuando presentan un mundo imaginario al receptor.
Esta es la diferencia que separa uno de lo otro
Que el director de ficcion piensa en jugar mas con la imaginacion llevar un hilo conductivo y el de documentación siempre va a querer mostrar la verdad sin afectar al agredido o a la victima.
¿ que es reflexividad?
es una metodologia que permitiria incorporar las veces de los entrevistados y omitir los entrevistadores.
la reflexividad es un fenómeno semántico consistente en que el signo que funciona como sujeto y uno de los que funcionan como régimen (directo o indirecto) tienen idéntica sustancia de contenido, es decir, se refieren a la misma cosa...
SEMANA 14
¿Que cambios ha tenido ultimamente la cinematografia en hollywood?
Cine Post-clásico" es un término utilizado para describir los cambios narrativos en el nuevo Hollywood. Se argumenta que las nuevas aproximaciones al drama y la caracterización jugaron con la expectación de la audiencia adquirida en el período clásico: la cronología se cruzaría, los guiones presentarían "finales inesperados" y las líneas que separan al antagonista y protagonista estarían difuminadas. Las raíces de la narración post-clásica podrían estar en el cine negro, en Rebelde sin Causa (1955), y en la rompedora y atípica película de Hitchcock Psicosis.
'Cine Post-clásico' es un término utilizado para describir al período que prosiguió al declive del sistema de estudio en los 50 y 60 y el final del código de producción. Está marcado por una gran tendencia a dramatizar cosas como la sexualidad y la violencia.
'Nuevo Hollywood' es un término utilizado para describir la aparición de una nueva generación de directores educados en escuelas de cine y que han absorbido las técnicas creadas en Europa en la década de los 60. Directores como Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian de Palma, Martin Scorsese, y Steven Spielberg llegaron para crear productos que rindiesen homenaje a la historia del cine e innovar sobre los géneros y técnicas ya existentes. Al principio de la década de los 70, sus películas fueron a la vez alabadas por la crítica y exitosas comercialmente. Mientras las primeras películas del Nuevo Hollywood como Bonnie y Clyde y Easy Rider habían sido relativos affairs de bajo presupuesto con héroes amorales y una sexualidad y violencia incrementadas, el enorme éxito cosechado por Coppola, Spielberg y Lucas con El Padrino, Tiburón, y La Guerra de las Galaxias, respectivamente ayudaron a establecer el concepto moderno de "cine comercial", y obligaron a los estudios a enfocar más seriamente sus esfuerzos en intentar producir grandes éxitos.
La aparición del mercado de vídeo doméstico [editar]Los años 1980 y los 1990 vieron otra importante creación. La completa aceptación del vídeo por parte de los estudios abrió un nuevo y basto campo de negocio a explotar. Películas como El secreto de NIMH y Cadena Perpetua, que tuvieron una pobre aceptación en taquilla, fueron capaces de encontrar su éxito comercial en el mercado del vídeo. Esas décadas también vieron la primera generación de cineastas que tuvieron acceso a la emersión de las cintas de vídeo. Directores como Quentin Tarantino y P.T. Anderson habían tenido acceso a miles de títulos y produjeron películas con innumerables referencias y conexiones con obras previas. Esto, junto con la explosión del cine independiente y la reducción de costes en el rodaje, cambió el panorama del cine estadounidense una vez más y lideró un renacimiento en el rodaje de películas entre las clases baja y media de Hollywood; aquellas sin acceso a los recursos económicos del estudio.
La aparición del DVD en el siglo XXI se convirtió rápidamente en una gran fuente de beneficios para los estudios y ha liderado una explosión de ediciones con escenas extra, versiones extendidas y pistas comentadas en las películas.
Cuando se realiza una pelicula a que se debe de dar mas importancia al
relato narrativo o al demostrativo?
historia = quése narra = significado # diégesis
la historia apunta hacia la construcción de un mundo posible de carácter ilimitado; en ella se contienen todos los acontecimientos y todos los estratos espacio-temporales que afectan a la narración, pero no puede equipararse con la diégesis porque ésta es solamente la parte que el relato selecciona de la historia.
es la historia de lo representadorelato = cómo se narra = significante ~ enunciadose corresponde con el significante pero no exactamente con el enunciado, aunque éste sea su vehículo indiscutible. Consideramos esta matización importante en la medida en que el término discurso permanece estrechamente ligado al de relato (para muchos autores son una misma cosa) y para nosotros implica, también, la imbricación entre enunciado y enunciación, que consideramos inseparables. El relato, desde esta perspectiva, noes susceptible de actualización, corresponde plenamente al emisor del discurso y provoca, eso sí, el trabajo hermenéutico del receptor. para mi esto quiere decir q estos dos elementos son partes fundamentales del documental.
http://apolo.uji.es/asignaturas/documentos/presentaci_n_nap_t4.pdf
Cine Post-clásico" es un término utilizado para describir los cambios narrativos en el nuevo Hollywood. Se argumenta que las nuevas aproximaciones al drama y la caracterización jugaron con la expectación de la audiencia adquirida en el período clásico: la cronología se cruzaría, los guiones presentarían "finales inesperados" y las líneas que separan al antagonista y protagonista estarían difuminadas. Las raíces de la narración post-clásica podrían estar en el cine negro, en Rebelde sin Causa (1955), y en la rompedora y atípica película de Hitchcock Psicosis.
'Cine Post-clásico' es un término utilizado para describir al período que prosiguió al declive del sistema de estudio en los 50 y 60 y el final del código de producción. Está marcado por una gran tendencia a dramatizar cosas como la sexualidad y la violencia.
'Nuevo Hollywood' es un término utilizado para describir la aparición de una nueva generación de directores educados en escuelas de cine y que han absorbido las técnicas creadas en Europa en la década de los 60. Directores como Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian de Palma, Martin Scorsese, y Steven Spielberg llegaron para crear productos que rindiesen homenaje a la historia del cine e innovar sobre los géneros y técnicas ya existentes. Al principio de la década de los 70, sus películas fueron a la vez alabadas por la crítica y exitosas comercialmente. Mientras las primeras películas del Nuevo Hollywood como Bonnie y Clyde y Easy Rider habían sido relativos affairs de bajo presupuesto con héroes amorales y una sexualidad y violencia incrementadas, el enorme éxito cosechado por Coppola, Spielberg y Lucas con El Padrino, Tiburón, y La Guerra de las Galaxias, respectivamente ayudaron a establecer el concepto moderno de "cine comercial", y obligaron a los estudios a enfocar más seriamente sus esfuerzos en intentar producir grandes éxitos.
La aparición del mercado de vídeo doméstico [editar]Los años 1980 y los 1990 vieron otra importante creación. La completa aceptación del vídeo por parte de los estudios abrió un nuevo y basto campo de negocio a explotar. Películas como El secreto de NIMH y Cadena Perpetua, que tuvieron una pobre aceptación en taquilla, fueron capaces de encontrar su éxito comercial en el mercado del vídeo. Esas décadas también vieron la primera generación de cineastas que tuvieron acceso a la emersión de las cintas de vídeo. Directores como Quentin Tarantino y P.T. Anderson habían tenido acceso a miles de títulos y produjeron películas con innumerables referencias y conexiones con obras previas. Esto, junto con la explosión del cine independiente y la reducción de costes en el rodaje, cambió el panorama del cine estadounidense una vez más y lideró un renacimiento en el rodaje de películas entre las clases baja y media de Hollywood; aquellas sin acceso a los recursos económicos del estudio.
La aparición del DVD en el siglo XXI se convirtió rápidamente en una gran fuente de beneficios para los estudios y ha liderado una explosión de ediciones con escenas extra, versiones extendidas y pistas comentadas en las películas.
Cuando se realiza una pelicula a que se debe de dar mas importancia al
relato narrativo o al demostrativo?
historia = quése narra = significado # diégesis
la historia apunta hacia la construcción de un mundo posible de carácter ilimitado; en ella se contienen todos los acontecimientos y todos los estratos espacio-temporales que afectan a la narración, pero no puede equipararse con la diégesis porque ésta es solamente la parte que el relato selecciona de la historia.
es la historia de lo representadorelato = cómo se narra = significante ~ enunciadose corresponde con el significante pero no exactamente con el enunciado, aunque éste sea su vehículo indiscutible. Consideramos esta matización importante en la medida en que el término discurso permanece estrechamente ligado al de relato (para muchos autores son una misma cosa) y para nosotros implica, también, la imbricación entre enunciado y enunciación, que consideramos inseparables. El relato, desde esta perspectiva, noes susceptible de actualización, corresponde plenamente al emisor del discurso y provoca, eso sí, el trabajo hermenéutico del receptor. para mi esto quiere decir q estos dos elementos son partes fundamentales del documental.
http://apolo.uji.es/asignaturas/documentos/presentaci_n_nap_t4.pdf
miércoles, 29 de octubre de 2008
RESPUESTA DE LA SEMANA 12
1.El story board tiene que hacerse siempre que van a montar una película
es decir es necesario hacerlo para tener un buen esquema del film?
A mi parecer y con lo que he vistom en clase con el profesor lucas perro es mejor tener un story board para saber las secuencias de las imágenes y como debe de ser la posición correcta del personaje frente a la cámara además asi se puede llevar un orden especifico pues si a la hora de hacer eñ film tiene que saltar de escena saber que pasò y como debería de ser este orden. No obstante le da una mejor comprensión al actor para saber de que forma debería de actuar.
es decir es necesario hacerlo para tener un buen esquema del film?
A mi parecer y con lo que he vistom en clase con el profesor lucas perro es mejor tener un story board para saber las secuencias de las imágenes y como debe de ser la posición correcta del personaje frente a la cámara además asi se puede llevar un orden especifico pues si a la hora de hacer eñ film tiene que saltar de escena saber que pasò y como debería de ser este orden. No obstante le da una mejor comprensión al actor para saber de que forma debería de actuar.
respuesta de la semana 11
1.En que año empezó el cine hablado?
La era del cine hablado empezó a finales de 1927 con el enorme éxito de El cantante de Jazz The Jazz Singer de Warner Brothers. La primera película totalmente sonora, Luces de New York Lights of New York, siguió en 1928. Pese a que la experimentación con la sincronización de sonido e imagen era tan vieja como el cine mismo (Dickson, por ejemplo hizo una burda sincronización de las dos para Edison en 1894), la viabilidad del cine sonoro fue ampliamente publicitada sólo después de que Warner Brothers comprara el Vitaphone de Western Electric en 1926. El sistema original Vitaphone sincronizaba la imagen con un disco fonográfico separado, en vez de usar el método más seguro de grabar una pista de sonido en la película misma (basado en el principio del OSCILOSCOPIO). Warners originalmente usó el Vitaphone para hacer cortos musicales presentando tanto ejecutantes clásicos como popularesy para grabar pistas musicales para pelìculas de otra forma mudas (Don Juan, 1926). Para El cantante de Jazz The Jazz Singer, Warners añadió cuatro secuencias musicales sincronizadas a la película muda. Cuando Al JOLSON cantaba y luego soltaba varias líneas de diálogo, la audiencia quedaba electrizada. El cine mudo moriría en un año.
La conversión a sonido sincronizado ocasionó serios problemas a la industria del cine. La grabación de sonido era difícil, las cámaras tenían que grabar desde dentro de cabinas de vidrio; los estudios tenían que construir escenarios especiales a prueba de sonido; las salas requerían de costoso nuevo equipo; se tenía que contratar escritores que tuvieran buen oído para el diálogo; y se debía encontrar actores cuyas voces pudieran reproducirlos. Muchos de los primeros diálogos fueron feos y estáticos, las imágenes visuales servían meramente como un acompañamiento para un diálogo interminable, efectos de sonido y números musicales. Los criticos serios de cine enlutaron por la muerte de la imagen en movimiento que no parecía tener más ni imagen ni movimiento.
Las más efectivas primeras películas sonoras fueron las que jugaron más aventureramente con la unión de imagen y banda sonora. Walt DISNEY en sus dibujos animados combinó sorprendentes imágenes con sonidos inventivos, orquestando cuidadosamente el movimiento animado y el ritmo musical. Ernst Lubitsch también jugó muy sabiamente con el sonido, contrastando la acción representada visualmente con la información en la banda sonora en formas sorprendentes o divertidas. Hacia 1930 la industria cinematográfica norteamericana había conquistado tanto los problemas artísticos como técnicos relacionados con usar la vista y el sonido armoniosamente, la industria europea fue rápida en seguirla.
2. Que es visión binocular?
La visión binocular, es decir, la que se obtiene mediante la participación de los dos ojos, permite la fusión en una percepción única de las sensaciones recogidas por ambas retinas.
La visión simple de un objeto con los dos ojos se denomina plopía, y se produce en las inmediaciones del punto en que se centra la mirada, conocido como punto de fijación.
A determinada distancia por delante y por detrás de dicho punto de fijación, se produce una visión doble de los objetos, lo que se conoce como diplopía fisiológica.
Este hecho es fácilmente comprobable colocando un dedo frente a nosotros, si nos fijamos en el dedo, observamos que los objetos situados a mayor distancia se ven dobles, y si nos fijamos en estos objetos más alejados, vemos dos dedos
La era del cine hablado empezó a finales de 1927 con el enorme éxito de El cantante de Jazz The Jazz Singer de Warner Brothers. La primera película totalmente sonora, Luces de New York Lights of New York, siguió en 1928. Pese a que la experimentación con la sincronización de sonido e imagen era tan vieja como el cine mismo (Dickson, por ejemplo hizo una burda sincronización de las dos para Edison en 1894), la viabilidad del cine sonoro fue ampliamente publicitada sólo después de que Warner Brothers comprara el Vitaphone de Western Electric en 1926. El sistema original Vitaphone sincronizaba la imagen con un disco fonográfico separado, en vez de usar el método más seguro de grabar una pista de sonido en la película misma (basado en el principio del OSCILOSCOPIO). Warners originalmente usó el Vitaphone para hacer cortos musicales presentando tanto ejecutantes clásicos como popularesy para grabar pistas musicales para pelìculas de otra forma mudas (Don Juan, 1926). Para El cantante de Jazz The Jazz Singer, Warners añadió cuatro secuencias musicales sincronizadas a la película muda. Cuando Al JOLSON cantaba y luego soltaba varias líneas de diálogo, la audiencia quedaba electrizada. El cine mudo moriría en un año.
La conversión a sonido sincronizado ocasionó serios problemas a la industria del cine. La grabación de sonido era difícil, las cámaras tenían que grabar desde dentro de cabinas de vidrio; los estudios tenían que construir escenarios especiales a prueba de sonido; las salas requerían de costoso nuevo equipo; se tenía que contratar escritores que tuvieran buen oído para el diálogo; y se debía encontrar actores cuyas voces pudieran reproducirlos. Muchos de los primeros diálogos fueron feos y estáticos, las imágenes visuales servían meramente como un acompañamiento para un diálogo interminable, efectos de sonido y números musicales. Los criticos serios de cine enlutaron por la muerte de la imagen en movimiento que no parecía tener más ni imagen ni movimiento.
Las más efectivas primeras películas sonoras fueron las que jugaron más aventureramente con la unión de imagen y banda sonora. Walt DISNEY en sus dibujos animados combinó sorprendentes imágenes con sonidos inventivos, orquestando cuidadosamente el movimiento animado y el ritmo musical. Ernst Lubitsch también jugó muy sabiamente con el sonido, contrastando la acción representada visualmente con la información en la banda sonora en formas sorprendentes o divertidas. Hacia 1930 la industria cinematográfica norteamericana había conquistado tanto los problemas artísticos como técnicos relacionados con usar la vista y el sonido armoniosamente, la industria europea fue rápida en seguirla.
2. Que es visión binocular?
La visión binocular, es decir, la que se obtiene mediante la participación de los dos ojos, permite la fusión en una percepción única de las sensaciones recogidas por ambas retinas.
La visión simple de un objeto con los dos ojos se denomina plopía, y se produce en las inmediaciones del punto en que se centra la mirada, conocido como punto de fijación.
A determinada distancia por delante y por detrás de dicho punto de fijación, se produce una visión doble de los objetos, lo que se conoce como diplopía fisiológica.
Este hecho es fácilmente comprobable colocando un dedo frente a nosotros, si nos fijamos en el dedo, observamos que los objetos situados a mayor distancia se ven dobles, y si nos fijamos en estos objetos más alejados, vemos dos dedos
miércoles, 15 de octubre de 2008
LA ARQUITECTURA EN LA ANTIGUEDAD
La arquitectura y el urbanismo en la antigüedad. Un buen ejemplo del aprovechamiento de las condiciones naturales en la arquitectura ha podido encontrarse en numerosas ciudades de la antigua Grecia, que se ordenaban en cuadrícula, donde los espacios habitables eran orientados al sur y relacionados con un patio a través de un pórtico que los protegía del sol alto del verano, a la vez que dejaba penetrar en ellos el sol bajo del invierno.
Así, los griegos descubrieron desde muy temprano este elemental principio de diseño bioclimático para regiones frías y templadas del hemisferio norte, que ha sido reiteradamente empleado a lo largo de la historia en disímiles culturas y localizaciones geográficas. Este principio se utilizó también en la antigua China y en el Imperio Romano (Butti y Perlin, 1985). Los romanos descubrieron, además, el efecto invernadero: usaban en sus baños y termas una especie de vidrio producido a partir de capas delgadas de mica que colocaban en ciertas zonas de las termas, regularmente orientadas al noroeste, buscando la máxima captación solar en horas de la tarde y fundamentalmente durante el invierno.
El Imperio Romano ocupó un vasto territorio con disímiles condiciones climáticas, algunas de las cuales, en ciertos lugares, variaban de manera considerable a lo largo del año. En estos casos resultaba muy difícil lograr en todo momento condiciones ambientales interiores apropiadas solo mediante el diseño arquitectónico; por tanto, se optaba por mover los espacios interiores de las viviendas en las diferentes estaciones (por ejemplo, se recomendaba ubicar el comedor hacia el «poniente en invierno»), o podían existir, incluso, residencias para usar por temporadas. Casa Típica de la antigua Grecia. El pórtico orientado al sol protegía las habitaciones del sol alto de verano y permitía el paso del sol alto de invierno. La experiencia de los romanos del período clásico en materia de diseño bioclimático quedó recogida en los tratados de Vitrubio, que han sido objeto de estudio para los arquitectos del planeta a lo largo de la historia hasta hoy. (Colaborado por: Albania Contreras caprialbania@hotmail.com, Arquitectura neoclásica de la ciudad de La Vega - )
Así, los griegos descubrieron desde muy temprano este elemental principio de diseño bioclimático para regiones frías y templadas del hemisferio norte, que ha sido reiteradamente empleado a lo largo de la historia en disímiles culturas y localizaciones geográficas. Este principio se utilizó también en la antigua China y en el Imperio Romano (Butti y Perlin, 1985). Los romanos descubrieron, además, el efecto invernadero: usaban en sus baños y termas una especie de vidrio producido a partir de capas delgadas de mica que colocaban en ciertas zonas de las termas, regularmente orientadas al noroeste, buscando la máxima captación solar en horas de la tarde y fundamentalmente durante el invierno.
El Imperio Romano ocupó un vasto territorio con disímiles condiciones climáticas, algunas de las cuales, en ciertos lugares, variaban de manera considerable a lo largo del año. En estos casos resultaba muy difícil lograr en todo momento condiciones ambientales interiores apropiadas solo mediante el diseño arquitectónico; por tanto, se optaba por mover los espacios interiores de las viviendas en las diferentes estaciones (por ejemplo, se recomendaba ubicar el comedor hacia el «poniente en invierno»), o podían existir, incluso, residencias para usar por temporadas. Casa Típica de la antigua Grecia. El pórtico orientado al sol protegía las habitaciones del sol alto de verano y permitía el paso del sol alto de invierno. La experiencia de los romanos del período clásico en materia de diseño bioclimático quedó recogida en los tratados de Vitrubio, que han sido objeto de estudio para los arquitectos del planeta a lo largo de la historia hasta hoy. (Colaborado por: Albania Contreras caprialbania@hotmail.com, Arquitectura neoclásica de la ciudad de La Vega - )
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